AltaiKAI (Canto de Garganta o "Kai" de Altái)

Portada de "Khan Altai" del 2005

AltaiKAI es un ensemble de Altái, una de las repúblicas que constituyen a la Federación Rusa, y que de hecho comparte frontera con lo que es Kazajistán, Mongolia y China. Su idioma es el ruso y el altaiano. El canto de garganta es conocido en Tuva (desde 1993 parte igual de la Federación Rusa) como khöömei y en Mongolia podría decirse el mismo término, así como xöömej. Sin embargo, en Altái, el término que designa el canto de garganta es muy diferente, a saber: Kai. Aunque los nombres de estilos no varían del todo, son los siguientes, y teniendo conocimiento de las designaciones tuvanas y mongolas se dará uno cuenta de qué estilos son: karkyra, komei, sybsysky (quizá se refiera a la imitación de aves y sonidos de la naturaleza) y sygyt. 

Sus instrumentos son algunos distintos a comparación con los tuvanos y mongoles: 

Percusiones: arba, uzengi, tuigak, tungur y tokpok.

Flautas: ergek shor, tuyuk shor, achyk shor, altyn shor y amyrgy. 

Cuerdas: ikili, topshur y jadagan (arpa escita). 

Lengüeta: komus (arpa de boca)

Su productor y director es Urmat Yntaev, del clan llamado Jabak.

Su director musical es Emit Terkishev, del clan Tölös, estilos de Kai: sygyt, karkyra, sybsysky y komei; instrumentos: komus, topshur y shor.

Radmila Terkisheva, del clan Maiman - vocal, instrumentos: jadagan, tungur y arba.

Eremey Glazin, del clan Kypchak - karkyra y komei.

Oyrot Otukov, del clan Köbök: könö kai, karkyra y sybsysky; instrumentos: topshur, komus y tokpok.

Sarymai Urchimaev, del clan Kypchak - vocal, karkyra e imitaciones de sonidos y voces de la naturaleza; instrumentos: topshur, ergek shor, komus, altyn shor y tuyuk shor.

Aquí dejaré los tres primeros álbumes, excelentes por cierto, si quieren escuchar más de ellos, me dicen, para luego subir los demás:

Where Altai is in Rise (2002)

Descargar desde Mediafire

Urchimayev, Sarymai — Altaian (2004)

Descargar desde Mediafire

Khan Altai (2005)

Descargar desde Mediafire

Made is USA (2006)
Descargar desde Mediafire

Yntaev, Urmat — Ulu Khan (2009)
Descargar desde Mediafire

La más popular y favorita canción histórica altaiana es "Kan Altái":
Cuando alguien ve desde arriba,
Kan Altái parece un triángulo;
Cuando se ve de lado,
Kan Altái parece tener nueve lados;
Si alguien ve desde la cuesta de la montaña,
Como tejidos entrelazados
Tus cordilleras son, Kan Altái;
Porque en ti, nuestra gloriosa Altái,
Mucha sangre fue derramada;
Tus rojos pinos de sangre están manchados;
Difícil es mirar a tal denudación
de nuestro fino padre Altái

Lama Tashi - Tibetan Master Chants

Ngawang Tashi Bapu, mejor conocido como Lama Tashi, nació en 1968 en el pueblo de Thembang, al este de Kameng en Arunachal Pradesh, India. Comenzó sus estudios en 1985, a la edad de 17 años. Es un Cantante Multifónico (con los artículos pasados seguro saben a lo que me refiero -a producir de dos a cuatro notas al mismo tiempo-); ha cantado en el famoso Carnegie Hall de Nueva York, además de ser más conocido por el material musical que en este artículo les traigo, y que antes había subido: Tibetan Master Chants. Ha participado con artistas varios, pero sin importancia alguna para mí, lo interesante es él mismo, su extraordinaria voz, sin duda asombrosa. 

En el 2006, el material producido por Jonathan Goldman, músico asombroso igual, le costó una nominación en los premios de música occidental, los Grammys, como Best Traditional World Music (no ofrezco traducción). En el cual, de hecho, quedó finalista, la respuesta de Tashi al saber de su nominación fue: "No tengo mucho conocimiento sobre la música occidental, aunque amo escuchar música de la India (Hindi music) y canciones folclóricas".

En este álbum encontramos doce reconocidos Mantras Tibetanos, en los que se incluyen "Om Ah Hum" y Om Mani Padme Hum", interpretado por uno de los mejores (si no el mejor) en el Canto de Voz Profunda como suelen decirle, aunque mejor conocido como Canto Tibetano o Canto Tántrico. De hecho, como dato extra, suele hacerse comparación de este Canto con el estilo Kargyraa del Khöömei o Canto de Garganta que se hace en Tuva, Mongolia y Altai, desconozco si en otro lugar.

Sin más que decir, les deseo una buena experiencia con estos mantras que, de hecho, tienen tres propositos, según Tashi y Goldman: 1. Por un profundo placer de escucharlo. 2. Para crear un espacio sagrados y cambios vibracionales en el oyente. 3. Y para que los oyentes e inexpertos aprendan a cantar estos sagrados mantras.

 Descargar aquí

Lista de tracks:

1. Setting Motivation

2. Mantra of Blessing (Purificación) Om Ah Hum

3. Guru Rinpoche (Habilidades Tántricas) Om Ah Hum Vajra Guru Padma Siddhi

4. Heart Sutra (Iluminación) Tayate Gate Gate Paragate Parasamgate Bodhi Soha

5. Avalokitesvara (Compasión) Om Mani Padme Hum

6. Manjushri (Sabiduría) Om Ah Ra Pa Tsa Na Dhi

7. Vajrapani (Poder) Om Vajra Pani Hum

8. Buddha Amitayus (Longevidad) Om Ama Rani Ziven Taye So Ha

9. Buddha Ushnisha Vijaya (Buen Karma) Om Druhm Soha Om Amrita Ayur Dade Soha

10. Tara (Protección) Om Tare Tuttare Ture Sarva

11. Medicine Buddha (Curación o Sanación) Tayata Om Bekandse Bekandse Maha Bekandse Bekandse Randsa Samud Gate Soha

12. Dedication Prayer Ppag Sam Shing Gyi Kye Mo Tsal Sa

Nota: Om Ah Hum carece de significado conceptual. Por lo regular, esas sílabas se asocian, respectivamente, con cuerpo, habla y mente, es decir, todo lo que compone al ser. Por eso se dice que saludamos con todo nuestro corazón, mente y cuerpo, las cualidades que representa Padmasambhava. Vajra significa “rayo” y representa la energía de la mente iluminada. Guru, por supuesto, es un maestro sabio. Padma significa loto y nos recuerda la naturaleza amable y compasiva de la iluminación. Siddhi quiere decir realización o poderes sobrenaturales y sugiere la manera en que los iluminados pueden actuar con sabiduría, aunque de formas que no necesariamente podemos comprender.

<<¡Om! -repitió varias veces-, ¡Om!>> Volvió a tomar conciencia de Brahma, de la indestructibilidad de la vida y de todo lo referente a la divinidad, que ya había olvidado.

~Hermann Hesse, Siddhartha

Música de la Antigua Grecia

Hombre tocando la Cítara de Apolo

El tema de hoy es inusual (como muchas cosas que hablamos aquí sobre música), pues trata de música antiquísima de un lugar que todos conocen, tanto por su política, filosofía, arte, poesía, mitos como por muchas varias cosas más. Y habla de la música de la Antigua Grecia, música que poco se conoce, al menos en sus sonidos más particulares, claro, se sabe de muchos de sus instrumentos por textos antiguos, por ejemplo en los textos platónicos no se deja de hablar sobre los virtuosos en la Cítara, el Auló y la Lira, pero ¿acaso los hemos escuchado? Poco se siguen escuchando estos instrumentos y más en composiciones de la época. Por ejemplo, en papiros antiguos se encuentran fragmentos de música escrita por Aristófanes, Eurípides, Baquílides, Alceo, Safo, Arquíloco, Anacreonte, hasta el mismo Homero tiene un himno. Se encuentran epitafios, himnos a Apolo, a las Musas, a Némesis, a Eros; uno que otro ditirambo y cosas varias que asombran a cualquier melómano. Pues la Música asombra y no deja de hacerlo, la que hoy se trata asombra con gran fuerza.

Entre las muchos y extraordinarios tesoros que han sido excavados en las arenas de Egipto, están los papiros -musicales- (el antiguo equivalente al papel) conteniendo en ellos notas musicales. Mientras es ciertísimo que no conocemos cómo es qué suenan la melodías de Safo o los coros de Sófocles, la queja frecuente sobre que música de la Grecia Antigua está "perdida" está un tanto exagerada.

En efecto, se sabe mucho; se sabe una gran parte de los ritmos de la música (de la Grecia Antigua), desde que, de hecho, éstos están reflejados en los patrones métricos del verso griego. Se sabe más acerca del sistema musical, que es, cómo las escalas fueron concebidas y su similitud, a través de un milagro cercano de los trabajos de distintos teóricos musicales que sobreviven (los sistemas musicales). Se puede inferir mucho sobre los instrumentos, usando como evidencia los fragmentos sobrevivientes de antiguos instrumentos, representaciones en jarrones y pinturas murales, descripciones literarias y comparación intercultural.

Más asombroso, sin embargo, es que igual se conoce algo de las melodías, desde que, de hecho, treinta melodías o colecciones de melodías han llegado hasta la comunidad musical. Algunos han sido transmitidas a través de la tradición medieval. Cinco se preservan en inscripciones en piedra. El resto, no obstante, sobrevive en el papel desechable de la antigüedad (papiro), y muchos de estos papiros han sido publicados recientemente. Muchos de éstos son fragmentarios, preservando sólo unas pocas notas por aquí, una cuantas frases por allá; pero la suma de las partes nos dan, así bien, una vívida idea de cómo sonaba la música de la antigüedad (Sumeria, Egipcia y Griega).

Fuente: http://classics.uc.edu/music/

Como siempre, dejaré lo poco de música que hay de ésta, la música de la antigüedad, una agrupación moderna que la trata de revivir es Daemonia Nymphe, ¡y vaya que lo hace!, aquí les dejo lo poco que he conseguido, y que, de hecho, poco hay hasta ahora en grabaciones. Los pondré por fechas de realización.

Gregorio Paniagua & Atrium Musicae de Madrid - Greece: Musique de la Grece Antique (1979)

Descargar aquí

Christodoulos Halaris - Music of Ancient Greece (1992)

Descargar aquí

Ensemble Melpomen - Ancient Greek Music (1995)

Descargar aquí

Ensemble De Organographia - Music of the Ancient Sumerians, Egyptians and Greeks (1997)

Descargar aquí

Daemonia Nymphe - Daimonia Nymфh (2002)

Descargar aquí

Daemonia Nymphe - The Bacchic Dance of the Nymphs - Tyrvasia (2004)

Descargar aquí

Daemonia Nymphe - Krataia Asterope (2007)

Descargar aquí

“Hay que desterrar de él (el ritmo), la variedad y multiplicidad de medidas, buscar qué ritmos expresan el carácter del hombre sensato y valeroso, y una vez que lo encontremos, debemos ajustar el número a la armonía y a las palabras, y no las palabras al número y a la armonía”.

~Platón, La República

Christian Bollmann

Primero que nada, habré que decir que Bollmann es, sin duda, uno de los mejores cantantes de canto difónico. He tenido la oportunidad de escuchar algunos de sus materiales: Rise My Soul, Spirit Come, Evolution, Echoes of Ladakh, Earth Spirit: Songs and Dances of the Native Americans Indians, Aruna: Thousand Names of the Divine Mother, Heilende Klänge: Healing Sounds y Heilende Lieder: Healing Songs. Indescriptible su concepto musical, sanador, no hay duda de eso. Tengo que decir, pues, sus datos más generales y, dejando, como siempre, material de él para que lo aprecien.

Christian Bollman es un músico, compositor, multiinstrumentalista, cantante del ya conocido canto difónico, curador por medio del sonido (podría llamarlo músicoterapeuta), maestro de música, etc. Estudió educación musical, jazz y música contemporánea, y sostuvo su postgrado en educación musical y composición. Ha colaborado con John Cage, Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel, Michael Vetter, Roberto Laneri, David Hykes, Keith Tippet, grupos como Boury, Padlt, Noidlt, Jazzhouse Bigband Cologne y otras.

Trabaja como solista, en duo y trio con varios amigos como Michael Reimann, Ufo Walter, Günter Müller, Chris Amrhein, Bernd Michael Sommer, Markus Stockhausen, Stefan Heidtmann, Willi Grimm; y es fundador del Ovetone Choir of Düsseldorf (Oberton-Chor Düsseldorf). Desde 1969 ha estado relacionado con el canto difónico europeo y ha trabajado como compositor, director, invetor (el Aquaphone, por ejemplo) y productor en varios proyectos, explorando el poder curativo de los sonidos. Ha publicado veinte álbumes con sus propias composiciones y enseñanzas musicales.

Rise My Soul (1988)

Descargar aquí

Spirit Come (1992)

Descargar aquí

Evolution (1993)

Descargar aquí

Echoes of Ladakh (1995)

Descargar aquí

Si un compositor pudo decir lo que tenía que decir en palabras, no se molestará en tratar de decirlo en la música. 

~ Gustav Mahler

David Hykes

 En este post me dedicaré a traer un poco de la música de un... gran músico, sin duda alguna. David Hykes, uno de mis intérpretes de Overtone Singing (Canto difónico) más escuchados, además de que pocos se decican a este estilo, que de hecho toma al Throat Singing (Canto de garganta) tuvano y mongol como base de su Canto Armónico. Muchos nombres pueden atribuírsele al estilo de Hykes, aunque prefiero por ahora dos que me parecen distinguibles: Overtone Singing y Harmonic Chants.

El trabajo de Hykes se enfoca en unas pocas tradiciones del canto de garganta, incluyendo al mongol y al muvano. En 1975, combinó este estilo de canto con series armónicas, cinco años más tarde fundó su Conciencia Armónica, practicada en la meditación. Hykes nació en Nuevo México en 1953, se crío en el Noreste y vivió en Nueva York a mediados de los 70s hasta finales de los 80s. Iniciado en las artes, la actuación y como cineasta, Hykes eventualmente se dirigió hacia la composición y enseñanza de la meditación. Ha grabado, sin contar el Overtone Singing Tutorial, alrededor de diez álbumes con su Harmonic Choir (Coro Armónico). 

El Canto Armónico (Harmonic Chant) es una forma musical que, espiritualmente hablando, nos ayuda a encontrar en el fondo armonía y curación. Transforma nuestras habilidades para escuchar al Universo, para enseñar a otros sobre nosotros mismos. Estas vibraciones musicales, el ADN de toda música, se encuentran en todas partes dentro del Cosmos, desde los armónicos del Big Bang (la Palabra del Principio) hasta todos sonidos y voces, así como los sonidos de las aves y las ballenas.

Hykes comparte esta música universal en conciertos y álbumes, así como en retiros espirituales, talleres y seminarios. Con su fundación, Harmonic Presence (Presencia Armónica), ha colaborado con el Dalai Lama y los monjes y monjas tibetanas, con médicos profesionales y científicos neurales, todo para traer a la vida a nuevas maneras de sonido sagrado para así, igualmente, traer a la vida armonía esencial para la mente, cuerpo y espíritu.

Fuente: http://www.harmonicpresence.org/

Aquí les dejó algo que subí de David Hykes and the Harmonic Choir. 

Windhorse Riders (1989)

Descargar aquí

Current Circulation (1992)

Descarga aquí

True to the Times (1993)

Descargar aquí

Hearing Solar Winds (1983)

Descargar aquí

Este archivo que dejo sí puedo decir que está en baja calidad de audio, aunque se escucha muy descente para ser 128kbps, se los dejo por ser rareza de Hykes. Es un tutorial para Overtone Singing. Básicamente canta con distintas técnicas, pero se aprende.

Descargar aquí

David Hykes ha abierto una nueva dimensión en la música, ha traído a nosotros, de hecho, la música de las esferas

~Yehudi Menuhin

Borbangnadyr y Ezengileer

Kongar-ol Ondar

Borbangnadyr no es realmente un estilo en el mismo sentido que Sygyt, Kargyraa o Khöömei, sino, mejor entendido como una combinación de efectos incorporados a uno de los estilos. El nombre proviene de la palabra tuvana rodante (ondulado), y este modo de estilo (como lo quisiera nombrar) cuenta con trinos (podría referirse a que se producen dos notas simultáneamente, aunque igual habla de tres; asimismo, puede hacer mención a que se utiliza mucho la vibración de los labios para su realización) y gorjeos (se usa, tanto para el cantar de los pájaros como para la voz humana: es la vibración que produce la garganta) muy rápidos, haciendo reminiscencia a las aves, al sonido de un arroyo, entre otras cosas. Mientras que el nombre Borbangnadyr se utiliza más a menudo para describir un gorjeo aplicado a Sygyt, Sygyttyng Borbangnadyr, también se aplica a algunos estilos de canto de baja frecuencia, especialmente en textos antiguos sobre el nombre Borbangnadyr.

Ezengileer se deriva de una palabra con el significado de estribo, y produce oscilaciones rítmicas-armónicas, con la intención de imitar el sonido del tintineo de los estribos de metal al ritmo de un caballo al galope. El elemento más usual es el "ritmo del caballo" (horse-rhythm) de los sonidos armónicos, producido por una rítmica apertura y cierre del velo. El velo es la abertura entre la faringe y los senos nasales (cavidades nasales). El velo se sitúa entre la nasofaringe y orofaringe. No seré minucioso al respecto.

 Aquí dejo un video que dejé en un post anterior. Se interpretan ambos modos de estilo aquí citados.

Siete estilos de canto de garganta (Youtube)

¡Ay por aquellos que no cantan, pero mueren con toda su música en ellos!

~Oliver Wendell Holmes

Sygyt

Kaigal-ool Khovalyg

El estilo de canto de garganta, Sygyt, es de mis favoritos pues, aparte de que lo practico mucho, su sonido es muy relajante, tanto para el oyente como para el cantante.

Su etimología es en escritura cirílica (se aplica al alfabeto utilizado en ruso y otras lenguas eslavas, cuya invención se atribuye a san Cirilo en el s. ix.): Сыгыт (Sygyt)

Sygyt se basa generalmente en un sonido fundamental de rango-medio. Se caracteriza por un fuerte, incluso perforador armónico o complejo de armónicos por encima del sonido fundamental, y se puede utilizar para crear melodías complejas y muy diferentes, con un tono muy similar al de una flauta. El sonido ideal es llamado "Chistii Zvuk", en ruso significa sonido claro. Una forma de lograr este sonido ideal es aprender a filtrar los sonidos armónicos no deseados. Ver video de Sygyt

Para realizar el estilo Sygyt, se debe aumentar la tensión un poco en el mismo lugar como en Khöömei. La lengua se lleva hacia arriba y se sella herméticamente alrededor de las encías, justo por detrás de los dientes. Un pequeño agujero queda en un lado o el otro, detrás de los molares, luego de esto, se dirige el sonido a través los dientes (esto produce un efecto de nitidez) y la mejilla hacia la parte delantera de la boca. Con los labios se debe formar una "campana", algo así como en el clarinete o el oboe, pero no centrada, sino apenas un poco hacia el lado de la boca donde se dirige el sonido de ese agujero detrás del que hablaba. 

La música expresa lo que no se puede decir y en lo que es imposible guardar silencio.  

~ Victor Hugo